miércoles, 4 de octubre de 2017

Suspense


Suspense!!
Marcel Duchamp, Thomas Demand,  Ito Takashi, Sam Taylor Wood, Nam June Paik, Reynold Reynolds y Josep Beyus

Del 21 de mayo al 16 de agosto de 2015

Curador: Leonardo Ramírez

Galería Jesús Gallardo
Video sala y sala blanco y negro
Pedro Moreno 202,
esquina Hermanos Aldama
León, Guanajuato
México.










SUSPENSE!!
Con el ánimo de mordernos las uñas.

Suspense es una exhibición conformada por 10 piezas en video -realizadas entre 1928 y el año 2000- que permite la contemplación  dinámica de narrativas cíclicas y elípticas que no llevan a ninguna parte o que no tienen ninguna conclusión aparente. Es decir; las piezas de esta exhibición no tratan de contar una historia completa por sí mismas ni funcionan como fragmentos de una historia contada en 10 episodios, sino que se encuentran en un punto de inflexión que sólo se establece a partir de la tensa continuidad en una serie de narrativas sin desenlaces aparentes.

La interrupción del tiempo y el espacio así como la impresión de "momentos congelados" son temas recurrentes en la obra de todos estos artistas. Cada uno explora y registra el movimiento como un proceso reiterado de un nuevo comienzo o como la exploración de momentos de gran confusión, tratando de dar forma a una compleja y desconcertante maraña de imágenes y secuencias, en donde, en muchos de los casos se observan patrones de caos y acciones azarosas aparentes -aunque todos los videos han sido perfectamente planificados-.

Suspense es un obvio homenaje a Alfred Hitchcock y a su forma de encontrar, en acciones muy sutiles e inteligentes, la manera de prolongar el sufrimiento que provoca la tensión dramática en una secuencia fílmica. Una definición amplia de suspense sería, que surge, cuando el espectador se preocupa por la falta de conocimiento sobre el desarrollo de un evento significativo; «suspense» sería, por tanto, la combinación en la anticipación de desenlaces desagradables, mezclados con incertidumbre y oscuridad respecto a ciertos acontecimientos futuros.

Me parece importante no confundir misterio con suspense. Suspense funciona cuando al público se le proporciona la información necesaria previa a los acontecimientos que suceden en una secuencia; de esa forma se le mantiene a la expectativa todo el tiempo. Mientras que el misterio se consigue solamente provocando miedo a la audiencia. Muchos pueden  afirmar que sin misterio no hay suspense pero Alfred Hitchcock desmiente esa idea:

«La telefonista en el film Easy Virtue* escucha a un hombre y una mujer que hablan de matrimonio.-Esta telefonista está cargada de suspense- ¿La mujer que está al otro extremo del teléfono aceptará casarse con el hombre que le llama? La telefonista queda completamente aliviada cuando la mujer da el sí al hombre con el que habla, haciendo que su propio suspense termine. Éste es, un ejemplo de suspense que no está ligado al miedo».

La exposición suspense podría categorizarse a manera de extraña y tartamuda narración, donde un sinuoso recorrido nos permite ser partícipes de  una especie de rompecabezas intelectual donde se reúnen, en una aparente acción orgánica, curiosidad, tensión  y un ingrediente esencial de desconcierto.

 Que disfruten el recorrido.

Leonardo Ramírez


*Easy Virtue, (1928)
 película  silente de Alfred Hitchcock.











Thomas Demand

Tunnel, 1999
Video monocanal
10.03 min

La película muestra una persecución a través del tunel en el que Lady Diana Spencer, Princesa de Gales, murió en un accidente automovilístico. A primera vista parece que el video nos es familiar y nos permite recordar que tal vez vimos esas imágenes  en  algún sitio de noticias, pero en realidad el espacio que vemos en la pantalla es una recreación llevada a cabo en una maqueta de cartón con todos los detalles arquitectónicos del lugar donde sucedió el accidente. 

Thomas Demand creó un modelo perfecto del edificio. El paisaje de cartón hábilmente iluminado, ocupa un incidente de la historia reciente y, al hacerlo, refleja las características ilusorias de lo que parecen ser imágenes reales. Reflejando literalmente nuestra relación con las imágenes en los medios de comunicación.

En el proceso de realización y construcción de la pieza, la representación y la repetición de la realidad crean un complejo tejido de conexiones, donde el accidente es utilizado como tema, siendo el resultado de una agitada persecución de coches, provocada por los paparazzi.



video









Marcel Duchamp (1887-1968)
Con la colaboración de Man Ray , Mac Allégret y Rros Sélavy

Anemic Cinema, 1926
Video monocanal
5.09

Anemic cinema, es una película característica de los filmes Dadá de Marcel Duchamp y consiste en una serie frases sin sentido girando en patrones espirales , creando un efecto hipnótico y silente.

Anemic Cinema tuvo varias versiones; 1920, 1923 y la última  que finalmente fue la definitiva en 1926.

Duchamp utiliza el pago inicial de su herencia para hacer una película y entrar en el mundo del cine. La pieza fue filmada en el estudio de Man Ray con la ayuda del cinefotógrafo Marc Allégret, la película consiste en una animación de  nueve frases de Rose Sélavy de siete minutos.

Los artistas pegaron, letra por letra en un patrón espiral de discos negros, que posteriormente fueron pegados a discos fonográficos, que lentamente se mezclaban  con los textos de Sélavy alternando con cortes a las espirales de 10 diseños abstractos de Duchamp,  cuyo giro hace parecer que las cosas se mueven hacia atrás y hacia adelante.

A ésta  pequeña película la llamó Duchamp; Anemic Cinema teniendo su estreno en una sala de cine privada de Paris.





















Takashi Ito

Ghost, 1984
Música: Yosuke Inagaki
Video monocanal
5.37

Uno de los nombres más importantes en el cine experimental japonés es sin duda Takashi Ito, ya que ha construido una larga y rica filmografía que lleva una sello claro e inconfundible.

En Ghost, como en muchas de sus películas, Ito explora algunas de las dimensiones más básicas de la ilusión cinematográfica, como la profundidad del espacio, el relámpago y el movimiento para crear un espectáculo visual que parece tocar en el género de terror, aunque no es del todo así. Ghost nos permite ver que el video que Ito realizó en 1984, no se realizó para causar miedo sino para hipnotizar a los espectadores.

Persianas, largas exposiciones y el eficiente recurso del time-lapse son utilizadas para seducir la percepción de la audiencia e insinuar la presencia de formas de vida que flotan en un espacio cerrado. 

La banda sonora de Inagaki arranca con un ambiente electrónico permanente, que  pronto desciende al mundo infernal de la distorsión rítmica y multidimensional de un violento caos low-fi. 
















Nam June Paik

Zen for film (1962-1964)
Video silente, monocanal,
en blanco y negro y televisión.
8.00


Antología de filmes Fluxus

Este video forma parte de la antología de Filmes fluxus y data de los años sesenta. Fue compilado por George Maciunas (1931-1978, fundador de Fluxus).

Flux film Anthology es un documento que consta de 37 cortometrajes que tienen una duración de 10 segundos o 10 minutos de duración. Estas películas -alguna de las cuales están destinadas a ser examinados como loops continuos- se muestran como parte de los performances y acontecimientos en la Nueva York de vanguardia de los años sesenta. Los videos de la antología están realizados por artistas como Nam June Paik,  Wolf Vostell o Yoko Ono, y celebran con humor lo efímero de las acciones del movimiento Fluxus.

La estética interdisciplinaria de Fluxus reúne influencias tan diversas como el Zen, la ciencia y la vida cotidiana usándolos como motivo poético. Inicialmente el movimiento fue recibido como una red internacional de bromistas, los artistas de Fluxus eran juguetones, y permanecieron como una red de visionarios radicales que buscaban reconciliar el arte con la vida.











Sam Taylor-Wood

The last century, 2005
Video monocanal
26.34

Un hombre sentado en un bar, mientras su cigarrillo se quema lentamente.

Esta no es una broma existencial o un poco de teatro minimalista realizado por el gran dramaturgo Irlandés Samuel Beckett, es sólo una descripción de una de las piezas en video de Sam Taylor-Wood; “The last century , 2005”. En ésta pieza el artista involucra a numerosos personajes que se encuentran completamente estáticos a pesar de su parpadeo involuntario, los temblores en algunas partes del cuerpo o la respiración apenas visible. Los actores que se encuentran dispuestos alrededor de una figura central en un retrato grupal con una composición muy cercana a Rembrant o Caravaggio.

El contraste entre la luz y la sombra de éste normalmente oscuro pub de paneles de madera del este de Londres coincide con el tenebrismo claroscuro de Caravaggio. En “La vocación de San Mateo” pintura de 1599-1600 se observa a un grupo de recaudadores de impuestos, acurrucados alrededor de una mesa contando su dinero perturbados por la figura de Jesús, en la composición se puede observar a los personajes haciendo señas a uno de ellos para ser su apóstol. En ambas obras, los fuertes rayos de luz resaltan sobre  las caras y poses de manera similar, sin embargo, el momento dramático de sorpresa e incertidumbre en la composición dinámica de Caravaggio es contraria a la continua y agonizante escena de Taylor-Wood.

Para el protagonista-inmóvil del siglo pasado de este video, no hay epifanía religiosa, ni tampoco ninguna reacción al pasado o al futuro - solamente existe un presente insoportable -. Tal vez la acción está en otra parte, creemos, mirando a la mujer con la boca abierta que comparte su mesa, que él se encuentra esperando pacientemente a que termine su risa, sin darse cuenta de lo que podría ser excitante en esta mujer, en cambio se concentra en su propia fuga, en su inexorable aburrimiento. 

Nada ha cambiado desde el siglo pasado, como el título y la apariencia pasada de moda de un personaje que toca un antiguo acordeón en el pub, ¿que Sugiere Sam Taylor Wood? ¿Lo que ha cambiado en el último siglo es el tiempo mismo? El tiempo fílmico es transformado a tiempo fotográfico, el movimiento convertido en éxtasis.

La noción familiar de que la fotografía es un "momento congelado" o un "punto" a lo largo de una "tiempo lineal" en el cine ha sido cuestionado hace relativamente poco por las imágenes en movimiento de sujetos inmóviles en películas avant–garde de artistas como Andy Warhol o Straub / Huillet y por la película de stop motion o de stills fotográficos de Chris Marker, La Jetée de 1962.

Sin embargo los impulsos de Taylor Wood están muy cercanos a Caravaggio con el deseo que tiene de subvertir las limitaciones inherentes a su medio, en éste caso por las dinámicas composiciones pictóricas que tienen el potencial de destruir los stills fotográficos con inminente movimiento. Como claramente se puede apreciar en películas como; “the eight-hour-long Sleep” o “the twenty-four hours of Empire state” de Andy Warhol, que son sumamente inmóviles y que no ofrecen ninguna posibilidad de desenlace dramático.

Ossian Ward 

















Reynold Reynolds
                
Six apartments, 2012
Video monocanal
12.05

Cornelia Brelowski (limpiadora),
Wolfram von Staufenberg (ciclista)
Johanna Kunig (niña enferma)
Edith Hermann (mujer)
Norbert Decaer (hombre de la tele)
Michael Arndt Gastaud




Seis personas desprotegidas viven en sus departamentos, lado a lado, cada uno atraviesa por un violento proceso de deterioro en la tierra, en ellos y en sus departamentos.

Reynold Reynolds con su pieza Six Apartments centra su atención en seis departamentos habitados por personas que conviven en soledad, el deterioro material, físico y mental, además de la desesperación que puede generar el encontrarse aislado entre cuatro paredes, hace que los personajes esté confinada a una serie de acciones repetitivas y monótonas.


El trabajo fílmico de Reynold Reynolds (Alaska, 1966) explora diversos aspectos de la existencia humana. Sus filmes y videoinstalaciones que transitan entre narrativas de transformación, de consumo y decadencia, le merecieron una mención honorífica en el Chicago Undergroud Film Festival 2012 por Secret Life (2008) y una distinción en el Festival Transmediale Berlín por Six Apartments (2007), entre otros. Su obra se nutre de la filosofía y de la ciencia. En la edición 2013 de Zona Maco (abril se presentóThe Lost (2013), una película en blanco y negro en la que el cineasta se cuestiona sobre la naturaleza del mal. 















Ann Scott Wilson

Suspence (excerp), 2011.
Video monocanal
2:15 segundos.

Ann Scott Wilson estudió pintura después de una carrera en el mundo de la danza. Su trabajo se ha visto influido  por el teatro, el cine y la actuación en vivo. En su trabajo confluyen  múltiples disciplinas creativas como; la fotografía, el vídeo, la pintura y las instalaciones de sonoras. Tiene un doctorado por Facultad de Arte y Diseño en la Universidad de Monash.

Su trabajo ha sido incluido en varias exposiciones nacionales e internacionales entre los que destacan; el Festival Internacional de Cine de Rotterdam; el festival de cine en Atenas, el media Arts Bienal – Asia Pacífico en Singapur, en el centro de fotografía de nueva Gales del Sur , Australia, en el Centro de Fotografía Contemporánea de Melbourne, Australia, entre otras.

Sobre Suspence (excerp), la artista comenta:

“Yo estaba interesada  en la creación de una secuencia donde los personajes lucharan contra la gravedad de la caída de los cuerpos en el espacio. La pieza fue filmada en película de 16 mm a 500 fotogramas por segundo y posteriormente fue copiada a video. La película presenta un extraño estado intermedio donde hay una sensación de caída en un sueño donde no tenemos la posibilidad de ver de dónde salen los personajes y a qué lugar caerán.
















 Joseph Beuys

Fliz tv, 1970
Video monocanal
10.08

"Como una contribución a “'identificaciones” de Gerry Schum, Joseph Beuys adapta para la televisión Alemana la acción “Felt TV”, acción planeada previamente para público en vivo, dentro del Festival de Happenning  en Copenhagen en 1966. Ésta acción ha sido la única pieza ejecutada específicamente para la cámara por el artista.

En el video se ve a Joseph Beuys sentado frente a un televisor que muestra un programa invisible, ya que la pantalla se encuentra cubierta por fieltro. Beuys se encuentra sentado frente a un televisor que muestra un programa de televisión que no se puede ver, ya que  la pantalla está cubierta por fieltro. Debajo de la silla se encuentran un par de guantes de box que utiliza en su propia cara. La acción se sigue desarrollando hasta que el artista sale de la toma de la cámara.

Joseph Beuys sigue siendo una de las figuras más importantes e influyentes de la posguerra arte alemán y europeo. Como artista, profesor, curador y activista Beuys ocupa una posición central en la aceptación y el aprecio del arte conceptual internacional. Sus teorías sobre la utilidad social del arte influenciado a generación completas de artistas.

La obra de Beuys tomó forma de objetos escultóricos, dibujos, instalaciones, "acciones" y conferencias. En 1963 comenzó a hacer performances y conciertos como parte del movimiento Fluxus. En 1972 Beuys fue despedido de forma espectacular desde su puesto como profesor en la Kunstacademie de Dusseldorf Alemania, muchos de sus estudiantes se negaron a reinscribirse en la Universidad.

En su primera visita a los Estados Unidos en 1974, Beuys ya había sido reconocido internacionalmente por las protestas que siguieron a su despido. Beuys utilizó su primera ésta visita para promover sus planes de un nuevo modelo de institución artística, que encontró la forma más tarde ese año con la apertura  durante cien días de la Universidad Internacional Libre en Dusseldorf.